中国古代画家描绘水墨的依据是什么？
笔法:中、侧、背、背、拖；
墨法:积墨、断墨、泼墨；
“五色六墨”
五墨:焦、厚、重、淡、清；
六种颜色:黑白、干湿、深浅。
写意讲究“笔墨趣味”。中国画用笔用墨的方法
关于使用钢笔和墨水
中国画的笔墨运用在于“笔代表形质，墨分阴阳”。笔随墨动，无墨不成笔。两者密不可分。但用笔不一定好用墨，用墨不一定好用笔。古人对不那么美的笔墨的评价，指的是一种“无墨之笔”或“无墨之笔”。有时候我们在评价一幅画的时候，也会称之为莫云的笔法极佳，意思是笔墨不够完美。因为中国画很重视笔墨，但两者其实都有相对独立的审美价值，所以古今讨论笔墨技法时通常是分开处理的。为了掌握用笔用墨的要领，这里也照常叙述。
什么是笔墨:
中国画最突出的技术问题是笔墨。评价一幅国画的好坏、价值、真伪，离不开笔墨。中国画家只能画出通过笔墨表达自己的东西。对笔墨的把握越好，所表达的事物和能量就越“神似”和“突出”。只有掌握了笔墨技巧，才能画出自己想要的样子。所以，笔墨是中国画的生命和灵魂。
2)、笔墨:
古籍中关于用笔用墨的论述很多，往往让人觉得高深莫测，一般人难以理解。所以我们一般可以把笔墨理解为用毛笔和墨水表现事物的效果，这是用笔用墨的总称。笔墨从普通的文字变成了中国画技法的一个术语，如何发挥其特点是一个关键问题。所谓“笔”，就是所描绘的线、点、面，以线为主。所谓“墨”是指浓淡(包括色彩)，以水墨画为主。线条和色彩(墨色)是中国绘画的主要条件。
人类用自己的智慧产生了许多表达思想的方式，绘画就是其中之一。在绘画方面，中国画发展了一千多年，形成了自己独特的艺术语言。虽然艺术没有规定怎么做，绘画也没有明确规定怎么画，但是追溯它的发展历史，还是可以发现它是有规律可循的，那就是用中国画的笔墨来传达思想感情。
用笔勾轮廓，用墨辨暗度，是中国画的主要画法。笔要轻、重、粗、细、缓、急；墨要分浓、淡、深、浅、干、湿变化。这样才能表现出物体的结构，距离，空间。用笔画画和用笔写字是一样的，所以我们常说“书画同源”。中国画用笔的方法与用笔书写的方法有着密切的联系。写字是由点和线组成的，画画无非是点和线的组合。也因为每个人的性格和爱好不同，绘画时用笔墨表达事物的方式不同，形成了不同的艺术特色和风格。中国画在中国根深蒂固，根深蒂固。代代相传，生机勃勃。它的生命力包含着饱满的民族感情、深刻的民族特色和明显的中国特色。中国画强调“外交中的自然，中国心灵之源”，艺术上要求降服物象，表现灵性，寄情物象，在景物中表现感情，以达到存意为先，画得最好，天人合一，物以我化，形神兼备的目的。中国画重视程序和程序之美，绘画的境界是通过程序之美和形式之美来呈现的。西洋画类似戏剧，国画类似中国的京剧。文人画更接近昆曲，重藻，重内涵，重意蕴，重境界。因此，在创作过程中，要充分发挥思想的表现力，强调作者心灵的能动作用。表现性、抒情性、自由精神、寻乐性，都与骨画中用笔用线密切相关。在古代，学画的画家都是从练习画圆和正方形开始的。画圆是练曲线，画正方形是练从各个方向画直线。学完一段，我们就能体会到用笔的奥秘了。这种方法值得学习和使用。
从中国画史的发展来看，每个时期的画风都受到时代的影响，构图、笔墨、表情都反映了当时的审美趋向，但内在精神不便，艺术是情感的表达，古人和现代人的外在实质绝对不同，但内在精神不变，这也是现代人孜孜不倦研究古代艺术的原因，中国画区别于其他画种的标志就是笔墨。从和谐的“六法”到石涛的“一画法”，临摹古人到写生，都追求一种自然。山水画“天人合一”的内涵是“画如其人”的最高境界。画家要用笔墨来表达自己的思想感情，对笔墨的理解标准由四个层次组成:
第一阶段是用笔墨造型，这也是中国画的基本功能。(简单的认为笔墨就是毛笔和墨水的关系)
第二阶段是知道笔墨技巧是不是国画的标准。知道笔的变化和墨水的效果。
●“骨笔”也是书法用笔。
●线条的变化，如“断簪缕”、“锥形沙画”都是描写用笔的变化。
●笔是骨墨或肉，用墨(包括用色)是水的变化。会用水的作品充满韵味，“漏痕”和“泼墨法”也是用水的变化。其他如“撒盐法”、“搓法”也属于笔墨范畴。
●画面的留白和构图“知白留墨”也是笔墨的大关系。
第三阶段，选择适合自己的笔墨，用它来形成自己的脸。在笔墨中融化气质。
●陈子庄的“生而熟，生而熟”这是他困惑的罕见表现。刚硬的线条是力量之美，柔和的线条有无穷的魅力。用笔用墨得当是一个成熟画家的表现。
●“元人笔触不算少，宋人笔触不算多。”指的是用笔用墨，每一笔都能找到依据，可以看到跟老师学习的路径，这是* * *的一个阶段。
第四阶段，笔墨无法合法创造。
●“自然在外，心从中”，“我有我的法，我有我的存在”等等都是画家经过长期的学习、积累和合理运用，抛开一切固有的笔墨束缚，通过写生和思考来达到这一点而创造出来的全新的笔墨语言。是艺术家用自己的语言完美地表达自己的思想感情。
●八大安静孤独，石涛诡秘多变，齐白石简洁凝练，傅抱石灵动灵动，李可染稳重豁达。
3)墨水的使用
画国画需要学会用墨，一般用油性烟墨作画。水墨画和笔法是分开的。画国画以笔取气，以墨取韵，这是国画笔墨的追求。古人说“笔为骨，墨为肉”，这是一个非常恰当的比喻。
中国画用墨是在不断的绘画实践中逐渐形成的。墨水的使用是根据具体的表现对象来决定的。轻则轻，厚则厚。墨水的使用有层次和变化。这些层次和变化都是由明暗构成的。我们常说的“墨分五色”就是这个道理。中国画用墨的层次大致分为焦墨、浓墨和淡墨，在这些层次之间可以区分出各种层次的墨色。中国画的墨色是无穷无尽的。用墨法的目的是表现物体的体量感、空间感和质感，不仅仅是表现明暗，更重要的是用墨写得传神。古人用墨，源于“惜墨如金”的说法，是用墨的最佳方式。(比如董其昌，所以他的作品几百年不变。)
现代山水画家黄先生深入研究用墨方法。他所画的墨色，无论明暗，都是灿烂的，没有暗淡的色彩。他在《画语录》中把用墨方法分为七种:“浓墨法、淡墨法、断墨法、泼墨法、集墨法、烧墨法、留墨法。”他还说“七法并用，谓之法备。少于三，不能作画。”
李可染先生把中国画的墨色分为五级，一般人只能达到两级。画到三级就很好了，达到四级就是极品，达到五级就是极品。可见水墨色彩在中国画中的重要性。
用墨之美在于浓淡结合，浓淡分明，没有精神。它必须又厚又轻。粗的部分需要出彩而不沉闷，淡的部分需要细腻而不沉闷。使用墨水也像使用颜色一样。古代有将墨分五色的经验，也有惜墨如金的画风。墨要浓淡，淡而浓；有最强、次强、稍淡、最轻之分，即用墨要灵活，用墨要避免浑浊。板生于稠燥，浊生于稠燥处理不当。有必要采用破稠度和破稠度的方法来避免这些弊端。
笔墨结合，什么效果都可以期待。古人云:“用笔不可为用笔而反，用墨不可为用墨而反”，“用笔用墨者巧，作者用墨也”。所以用笔一定要和用墨相结合，笔的轻、重、缓、急一定要和墨的干、湿、浓、淡相协调，才能产生好的效果。另外，笔墨技巧的关键是正确运用笔、墨、水的关系。只有充分发挥三者的关系，才能实现自由使用。关键是要在实践中体会，不断吸收经验。熟能生巧，熟能生巧，这将达到艺术的至高无上的地位。
4)、线的使用
中国画的特点是由其独特的绘画工具形成的，不同的工具必然会产生不同的效果和风格。中国毛笔的使用是中国早期书画的一大特色。经过几百年的积累和发展，战国时期确立了以线条为主要阵地的绘画形式。这种艺术技巧是中国绘画的典型特征，具有典型的民族特色和独特的艺术风格。从战国帛画到西汉初年的佚名画，这种线条简洁流畅的绘画形式一直沿用至今，产生了众多画派，呈现出不同的地域绘画风格。
中国的书法和绘画艺术都讲究线条的运用和变化。“线”是中国画书写情感、塑造形象、创造意境、创造神韵的最基本的元素和手段。中国的画家使用不同大小的刷子，软的和硬的，重要性和紧迫性的方式在特殊的宣纸上使用墨水，以产生不同的黑白或彩色效果。书画创作时，将自己的艺术观念和高超的绘画技巧同时集中在作品中，崇尚“外事自然，心自中国”的艺术境界。也体现了画家的性格、气质和修养。
如何画线，也就是如何用笔；如何掌握水墨画就是如何用墨。一般来说，用笔有两种方式，即“正中”和“侧翼”。中心，笔尖在线、点、面的中间，边的笔尖在线、点、面的对面。同样的线条，因为用笔的不同，线条的表现和感觉也不一样。在山水画中，用笔用墨的技巧贯穿于钩、笔、点、染之中。勾是“勾”、“刺”、“点”、“染”四道工序中最基本的一道。这四个过程既是用墨的过程，也是用笔的过程。笔法基于对物象描写的需要，使线条在姬旭的轻重笔画中表现出丰富的变化。石涛在画语录中说:“旋之以动之，转之以润之，居之以宽，切之以出。”露则圆，直则曲，上而下，甚至左右，参差突兀(武)，绝则斜，深则水，烈则火，自然而不烈。“我这里说的是笔画的用途和作用。只有擅长写腕、腕、肘、臂，才能旋转自如，从四面突出。
笔法中有四个方面需要了解和掌握，即速度、水分、压力、方向，这四个方面相互制约，相互联系，相辅相成。在书法中，笔画的快慢叫收敛，有快有慢。速效提神，缓效镇静。水太多不会导致过分的情色，慢笔干也能滋养你。这里要注意的是，写得太快不是瘦就是平，写得太慢不是情色就是痴呆。所以速度要平衡，速度只是一种表达方式，还要结合其他发自内心的因素。当笔中的水量和笔的速度结合起来，干湿浓淡都不尽如人意。没有水的作用，墨水的颜色不会改变。古人说:“绘画要善于用水，一要干净，二要和谐，三要通透。”所谓“干秋风”、“春雨含”、“如云”、“如破锦”，都与笔中的水息息相关。用水得当，使墨镜醇香，妙趣横生，引人入胜。笔在纸上的压力不同，可以得到宽、干、燥、刚、柔等不同的线条和点。压力、水分、速度的结合，增加了笔墨的多样性和表现力。根据笔尖位置和运行方向的不同，可分为中心、侧翼、前进和后退。笔尖在笔画的中间叫中心，在笔画的一侧叫侧面，从左到右从上到下向前，反之亦然。
5)、点的作用
点涂是山水画技法的重要创造。它的广泛应用不仅丰富和发展了山水画的艺术语言和风格，而且极大地拓展了山水画意境的内涵，其特点是“宋法刻画，而元变”。其中比较明显的变化是在青苔涂层在山水画中应用的线条交响上，说明江南画派的魅力更为深远，重点是在画面边界的营造上，使得有些繁复葱郁。到了元代，电台的技术已经相当成熟，并且形成了各家的鲜明特色，成为某种审美风格的重要组成部分。如黄子久的竖穴，陈叔明的渴穴，倪云林的横穴，归钟的救穴。并不是“遮山之畏巧妙，障壁之妙”(沈周)，而是已经发展到了“画无涂无生气”的地步。以等为代表的“元画”。，配合行书、草书等笔触的组合，大大提高了画面艺术的韵味和趣味，这也是南画突出的形式特征。点涂的作用有五点之大:
(1).辨别岩石的边界；
(2)提醒岩石的精神；
(3).弥补方法的不足；
(4)更换草和远处的树，看“草木茂盛”的天气；
(5)用线条笔搭配，看笔墨变化。
绘画是人类的自觉活动，山水画家将人们对自然的印象转化为艺术形象。想象介于感觉和理性之间。但每一代人的艺术意识和审美观念各有变异，艺术方法也各不相同，所以形成了许多流派和特色。可见，斑苔所创造的不同形态，都离不开自然规律，自然现象必须服从艺术表现的要求，艺术表现来自于自然现象。
点苔是笔墨中不可忽视的技法。点苔可以看作山上的小树小草，小石子或其他物体，也可以起到破墨的作用。在明、唐时期，祁智论证苔藓，当从石头的缝隙中指出时，是或厚或轻，或明或暗，既不太多也不太少，既不太密也不太疏。如果古画中有横点、直点或者没有青苔，先画一块石头，没有下降，那么每一点都要舒服。不要点青苔，随便点一会，好的青苔可以很有意思。
6)、色彩的运用
水墨山水画基本上可以表达出美景的精神。但是如果你想变得更漂亮，更真实，你就需要这个颜色。
(1)，山水画的着色基本分为两类:1和浅绛着色。2青色着色。(有的分三类，分别是浅绛、青绿色、水墨画。)
元代以前的山水画非常注重设色的真实性，总是与实景相比较。虽然不是从现场写生的，但只有在对景物进行了长时间的了解，或者在查稿时进行了细致的分析之后，才显得美观耐用。(像齐白石手稿的小作文，笔记很多，注明在哪里画，怎么画，怎么上色，穿什么颜色，一一列出，详细，可见其认真。当然，每件作品都会成为精品。)比如故宫收藏的《千里河山》(王松西蒙所画)的蓝绿色，至今依然鲜艳如新。
元代以后，大多数画家采用了简单的方法。只学古人，不学自然。照抄古人，失其真。
黄子九画玉山的景色，根据景物创造了一种淡绛的着色法，真实地反映了玉山的真实景象。明清画家继承了这种着色方法，于是出现了淡绛山水。
(2)色彩的运用
原则上，山水画的着色应:
一是鲜艳，颜色干净自然。
第二，大方，多体验真实景物着色会大方。
三、冷静(即不轻浮)，上色时注意用笔，不要轻触。染石或天泉，则从容不轻狂。
第四，轰轰烈烈。染色时应与原笔墨协调融合，不使色彩比原笔墨显出痕迹，且色彩不碍墨，墨色可融，达到丰富多彩。
一般来说，上色的招数要生动和谐。无论颜色多浓或淡，无论是青绿色还是浅绛红色，颜色都要鲜艳自然，不能有滞色，水量一定要合适。其次要注意原画的墨基，让他到处调整墨的色相。“色不碍墨，墨不碍色”，也就是说，色不足以助墨。墨是色彩的主心骨，色与墨要融为一体。只有所有的颜色都不掩盖墨水的光彩，不降低笔力，才能达到上色的作用。
(3)浅深红色景观的着色:
浅绯红是赭色，以赭色为主，同时涂一层浅花青。用这种方式上色，应该是富于简约的。先用墨色画一个墨稿，用笔要简洁明了。墨水干了以后再用，不过这是效果图。在岩石的暗部加一点青色(或者加点藤黄)，给人一种优雅的感觉。
(4)历代画家在青绿山水彩色写意的笔法上总结了许多宝贵的经验，其中最重要的是“意、力、韵、趣”的笔法“四要”。
(1)钢笔含义
也就是说，写之前要有意为之。画家在写作时，要用心使腕动，以特定的情感和观念带动笔墨，使之以意成像，以象表意。笔的意义是用笔的大致目的，无心之笔是死笔。历代画家创作的艺术之所以如此精彩，主要是因为画家在笔墨技巧上融化了激情和兴趣。
(2)笔力
是笔的力量感，是形式美感的重要因素。钢笔的力量感有两层含义:
首先是技巧的力量。所谓“劲贯纸背”“笔可抬鼎”，是提笔功力的一种体现。有“老”和“嫩”的理论来显示写作的技巧。需要长时间的磨练才能达到高超的技艺。所谓“学习能力，对应心手；火至，必无板、雕、结三病。”一个有经验的画家能做到刚柔并济，绵里藏针，即使是柔和的线条也有内在的力量。而初学者，无论怎么努力，还是不成熟，无力，所以写作是一个长期的努力。
第二是实力的强弱。属于用笔的技巧。只要掌握了用笔的方法和规律，就可以做到。运气使力的方法，首先是下笔前要有很强的意向，全神贯注，然后用意向引导精神，把全身的能量从手臂引导到手腕，从手腕引导到手指，然后用手指把力施加在笔端，这样自然就能把笔端的力很大的显露出来。不要表面傲慢，表面愤怒。
(3)押韵
所谓笔韵，有两层意思:韵味和节奏。神韵是指画面的统一与和谐可以通过笔的轻重、虚实、刚性、方圆、姬旭、顿挫的变化来实现。就像音乐一样，它有一个基调和一个主题。节奏就是用有运动感和节奏感的笔。它和书法一样，讲究线条的节奏，如“横法如鸟翻落”，“曲如奔马缰”，“轻如行云”，“重如落石”。
(4)写作兴趣
笔趣和自然趣有两层含义。只有用笔有趣，才能让观者赏心悦目，享受美的享受，所以用笔趣味是使绘画产生形式美的关键。用笔的兴趣在于巧妙地处理好用笔的熟悉、灵巧和柔和之间的关系。熟能生巧，美是美，但会是工艺和市场的问题。所以笔熟了才贵，成熟了才起死回生。“画生而熟”是唯一的商业利益。用笔巧妙精彩不易，但要警惕流于形式。因此，用笔在古拙是昂贵的，从熟练到笨拙，简单而豁达，充满活力。
用笔的兴趣源于一次无意的用笔。所谓“好笔好墨，得之偶然”，是顿悟，是突发灵感。求笔自然趣，固然与艺术家的天赋有关，更重要的是要靠平时的学识、修养和长期的努力。C1，中国的写意讲究笔墨的运用。笔包括(放下笔)、(书写笔)和(接笔)，墨包括墨色的变化(浓淡)和(干湿)。
2.国画的基本技法是(勾)、(勾)、(点)、(染)。...用笔包括笔意和笔力。
用墨包括墨色的质量和渐变。